Κριτική
Είναι δόξα και προνόμιο να αγαπάμε ό,τι ο θάνατος δεν αγγίζει, ακόμα και αν αυτό είναι ένας μικρός πίνακας του 1654, όπως στην ταινία “The Goldfinch”.
Οι φυσικές ενδείξεις θλίψης και μια κάμερα που είναι προσηλωμένη σε αυτές, καθιστούν ταινίες για την απώλεια αγαπημένων προσώπων αρκετά επώδυνες. Πράγματι, μπορούν να γίνουν σχεδόν μια πνευματική εμπειρία για όσους το χρειάζονται ή το θέλουν. Εκεί όπου αρκετά καλές ταινίες αφήνουν το ακροατήριο να τρελαθεί και να περάσει μέσα από όλες τις πτυχές της θλίψης που απεικονίζουν, λιγότερο «προσεκτικές» ταινίες για την απώλεια μπορεί να δώσουν έναν χαρακτήρα που προσπαθεί να επιστρέψει στην ομαλότητα της καθημερινής ζωής, συνήθως σταματώντας σε μια στιγμή απελευθέρωσης ή κλεισίματος. Οι πιο ευαίσθητοι σκηνοθέτες αναγνωρίζουν ότι η θλίψη πρέπει να γίνει κατανοητή και να μοιραστεί και ότι η ενσυναίσθητη σύνδεση που μπορεί να έχει ένα άτομο με μια ταινία με την οποία σχετίζονται, στις πιο δύσκολες στιγμές, είναι ανεκτίμητη. Η νέα ταινία του John Crowley βαδίζει με έναν περίεργο τρόπο στην τομή αυτών των δύο παραδοχών.
Το “The Goldfinch” επικεντρώνεται στον 13χρονο Theo Decker, του οποίου ο κόσμος αλλάζει βίαια όταν, σε ένα ταξίδι στο Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, μια τρομοκρατική βόμβα εκρήγνυται, σκοτώνοντας τη μητέρα του, μεταξύ άλλων παρευρισκομένων. Κατόπιν εντολής ενός ετοιμοθάνατου γέρου, ο Θίο φεύγει με έναν πίνακα, το αριστούργημα του Carel Fabritius του 1654, την Καρδερίνα. Για τα επόμενα 14 χρόνια και δυόμισι ώρες, ο πίνακας γίνεται τόσο το πρόβλημα του όσο και η μόνη σύνδεση με τη χαμένη μητέρα του, ενώ μεταφερόμαστε από τη Νέα Υόρκη στο Λας Βέγκας και στο Άμστερνταμ, αντιμετωπίζοντας μια σειρά εκκεντρικών χαρακτήρων, από τον σκληρό ρώσο έφηβο Boris, στον ευγενικό συντηρητή επίπλων Hobie, ο οποίος μετατρέπεται σε πατρική φιγούρα, αλλά και στη μυστηριώδη Pippa.
Το εξωτερικό χάος ευδοκιμεί σε αυτόν τον φανταστικό κόσμο και κανένας από τους χαρακτήρες της ταινίας δεν είναι ασφαλής. Πέρα από το οδυνηρό μονοπάτι του Θίο, οι δεύτεροι χαρακτήρες νοσηλεύουν τους ίδιους τους τραυματισμούς, τόσο σωματικούς όσο και συναισθηματικούς.
Πιθανώς όμως, επειδή οι χαρακτήρες είναι συχνά μειωμένοι σε απλά κλισέ, αγωνίζονται να υπάρξουν σε μια αφήγηση πάρα πολύ άφθονη. Σε αυτό το πλαίσιο, οι δαίμονες του νεαρού Θίο αποθηκεύονται συστηματικά στο ντουλάπι, όπως και η καρδερίνα, ο μικρός πίνακας που εξαφανίστηκε. Το σενάριο, το οποίο, χάρη στις ελλείψεις, μπορεί να μειωθεί σε τίποτα περισσότερο από μια σειρά ανατροπών, φαίνεται ακόμη πιο λυπηρό καθώς η ταινία περιέχει μερικές υπερβολικά ενδιαφέρουσες ιδέες που παρέμειναν ανεξερεύνητες: οι ταξικές συγκρούσεις στη Νέα Υόρκη, η σχεδόν φανταστική αναπαράσταση της υλικής και ψυχικής βλάβης της έκρηξης ή οι εγκαταλελειμμένες κατοικίες στην έρημο, όπου ο Θίο και ο Μπόρις ζουν μόνοι τους. Αλλά λόγω της θέλησης να κάνει πάρα πολλά, ο John Crowley στέρησε από το “The Goldfinch” το «βάρος», προτιμώντας πάντα την αμεσότητα ενός ξαφνικού και εκπληκτικού γεγονότος στο σκοτάδι.
Ο σκηνοθέτης του “Boy A” πολλαπλασιάζει τα καρέ slow–motion και καλεί τους ηθοποιούς να εμπλουτίσουν τον διάλογο με σιωπές που προσπαθούν να εκφράσουν τον απεριόριστο πόνο του χαρακτήρα τους επιτρέποντας στο φιλμ να φτάσει την αδικαιολόγητη διάρκεια των 150 λεπτών. Η φωτογραφία παρέχεται από τον Roger Deakins, έναν πραγματικό μύθο του επαγγέλματός του και συνεργάτη των μεγαλύτερων σκηνοθετών. Το casting είναι εξίσου λαμπρό, με τους Nicole Kidman και Jeffrey Wright να επιβλέπουν ένα νεαρό με απίστευτο ταλέντο. Μαζί με αυτούς, ή μάλλον το αντίθετο, o Luke Wilson και η Sarah Paulson καταλήγουν να ενσαρκώνουν έναν ενήλικο κόσμο του οποίου η παρακμή έχει διαφορετική προέλευση. Ο κεντρικός ήρωας παίζεται από τους Oakes Fegley και Ansel Elgort, αντίστοιχα στην παιδική ηλικία και την ενηλικίωση και ο φίλος του Μπόρις από τον Finn Wolfhard και τον Aneurin Barnard. Αυτοί οι τέσσερις ηθοποιοί ερμηνεύουν μια ισχυρή και κεντρική φιλία στην πλοκή της ταινίας, η οποία υποχρεωτικά έχει εξαπλωθεί σε μεγάλα τμήματα της ταινίας.
Αλλά ακόμη και αυτές οι σημαντικές αδυναμίες είναι πολύτιμες για το ρόλο τους στην αξιοζήλευτη εξερεύνηση της ταινίας για το παράλληλο μεταξύ της τέχνης και της ανθρώπινης ζωής και θανάτου. Τόσο η ζωγραφική όσο και το μυθιστόρημα και ο κινηματογράφος είναι τα αστεία ενός πίνακα που είναι έξυπνα σχεδιασμένος για να ξεγελάσει τους ανθρώπους έτσι ώστε να σκεφτούν ότι τα αντικείμενα που εκπροσωπούνται σ ‘αυτόν είναι πραγματικά εκεί. Αυτά τα αστεία γελούν με την προσδοκία των θεατών τους για τις άλλες προκαθορισμένες προσδοκίες της πραγματικότητας. Μέσω του χιούμορ, μας προκαλούν να κοιτάξουμε βαθύτερα προκαλώντας μας να ξεφύγουμε από τις ήπιες, κοινωνικά δυσλειτουργικές ρουτίνες μας και ιδιαίτερα όταν αυτές ανατρέπονται βίαια. Κάποιος μπορεί να προσεγγίσει την Καρδερίνα, όλο και περισσότερο πεπεισμένος ότι είναι πραγματικά εκεί, αλλά, καθώς πάει πολύ κοντά, μεταμορφώνεται σε ένα ακατέργαστο κομμάτι χρωματιστών εγκεφαλικών επεισοδίων. Ομοίως, οι χαρακτήρες αυτοί υποχωρούν τεχνικά όταν προσεγγίζονται πολύ στενά. Η ταινία χτίζει έναν κόσμο όπου όλοι οι χαρακτήρες της είναι ομοιόμορφα, αν όχι κυριολεκτικά, ορφανοί: όλοι είναι αποξενωμένοι, σε έναν κόσμο που στερεώνεται σε αμείλικτη δουλειά κάνοντας το βίωμα της απώλειας ακόμα πιο έντονο.
Αν και η απαλή ομορφιά της μυθιστοριογραφίας υπονομεύεται από τα στιλιστικά ζητήματα της ταινίας, με το πλούσιο πνεύμα και την καλλιτεχνική επεξεργασία που αντανακλά, το “The Goldfinch” εξακολουθεί να σκιαγραφεί τον τρόπο με τον οποίο η σύγχρονη ζωή μπορεί να μάθει από έργα τέχνης που ξεπερνούν την ιστορία.
